Avishai Cohen – Die Verbindung zwischen Jazz und Klassik

In den letzten 30 Jahren hat sich der international gefeierte Bassist, Sänger und Komponist Avishai Cohen zu einer der prägendsten Figuren des zeitgenössischen Jazz entwickelt – eine wahre musikalische Ikone, dessen Werk sich neben einigen der legendärsten Namen des Genres und darüber hinaus behaupten kann.

Cohens Originalkompositionen und Arrangements spiegeln ein weitläufiges musikalisches Universum wider, in dem verschiedene Traditionen, Kulturen, Sprachen und Stile miteinander verschmelzen. Seine Musik verbindet nahtlos hebräische und Ladino-Folklore mit pulsierendem, originellem zeitgenössischem Jazz und schafft so einen Sound, der sowohl tief verwurzelt als auch innovativ ist.

Cohen ist bekannt für seine fesselnden Live-Auftritte, seinen unverwechselbaren Sound und seine magnetische Bühnenpräsenz, die ihm eine weltweite Fanbase eingebracht haben. Seine Konzerte ziehen ein großes Publikum und leidenschaftliche Fans aus allen Kontinenten an – Zuhörende, die von der emotionalen Tiefe und rhythmischen Vitalität seiner Musik bewegt sind. Cohens künstlerische Stimme hat eine ganze Generation von Musiker:innen inspiriert und beeinflusst.

Heute wird er als Komponist und musikalischer Innovator ohne Grenzen gefeiert.

In den letzten Jahren hat Cohen sein künstlerisches Spektrum weiter ausgebaut und tritt sowohl mit seinem gefeierten Trio als auch mit kompletten Symphonieorchestern auf. Auf seiner aktuellen Tournee mit seinem etablierten Trio präsentiert er Musik aus seinem neuesten Album „Brightlight“ (Oktober 2024) mit brandneuen Kompositionen neben Fan-Favoriten und Stücken aus seinem umfangreichen Repertoire. Es ist der Höhepunkt dieser musikalischen Reise, die zwei Welten zusammenbringt – Klassik und Jazz.

Getreu seiner Art setzt Cohen auch seine Tradition fort, aufstrebende Talente zu fördern und zu entdecken, und tritt mit den herausragenden jungen Musikern Itay Simhovich (Klavier) und Eviatar Slivnik (Schlagzeug) auf.

„Die Bühne ist zweifellos der Ort, an dem Cohen sich am wohlsten fühlt – der Besuch eines seiner Live-Auftritte ist vielleicht die beste Möglichkeit, sein musikalisches Universum in seiner ganzen Bandbreite zu erleben.“

Daniel De Boer

Daniel wuchs auf der Insel Texel im Norden der Niederlande auf. Er wurde in eine musikalische Familie hineingeboren, sodass ihn Musik schon seit seiner Kindheit ständig begleitete. Schon in jungen Jahren begann er, mehrere Instrumente zu erlernen – zunächst Akkordeon, dann Klavier, Schlagzeug und Gitarre. Mit 18 Jahren entdeckte er den Kontrabass, und es war Liebe auf den ersten Blick.

Er studierte klassischen Kontrabass und später auch Jazz- und Pop-bezogene Stilrichtungen sowohl am Konservatorium von Amsterdam als auch an der Codarts University of the Arts in Rotterdam. Kürzlich schloss er seinen Master in Contemporary Performance am Berklee Valencia ab, wo er E-Bass bei dem renommierten Gary Willis studierte.

Seit 2015 ist Daniel als freiberuflicher Bassist tätig und trat mit Ensembles wie dem Metropole Orkest, der NBE (Niederländisches Blasorchester), der Holland Opera, Circus Extreme und dem Celebrity Edge Theatre Ensemble auf.

Was im Jahr 2005 mit drei Konzerten in Schweden als ein Experiment begann, drei der profiliertesten Charaktere des europäischen Jazz zusammen zu bringen, hat sich in 20 Jahren zu einem der prägendsten Besetzungen des „Sound of Europe“ entwickelt: Der sardische Trompeter Paolo Fresu, der französische Akkordeonist Richard Galliano und der schwedischer Pianist Jan Lundgren erzählen mit Mare Nostrum musikalische Geschichten vom nördlichsten bis zum südlichsten Ende des Kontinents – mit Einflüssen aus folkloristischer, klassischer und populärer Musik in Verbindung mit der Freiheit des Jazz.

Auf hunderten Konzerten und drei gefeierten Alben wurde aus dem All-Star-Projekt eine höchst sensibel aufeinander eingespielte Working Band – und die drei Musiker wurden enge Freunde. Beides hört und spürt man auf Mare Nostrum IV. Die Meisterschaft von Fresu, Galliano und Lundgren liegt in den Nuancen, dem gemeinsamen Fluss melancholisch-anrührender Melodien, in den schillernden Texturen und subtilen Wendungen der Musik. Und sie liegt in der Tiefe des schieren Klangs, von der Artikulation jeder einzelnen Note, bis zum inzwischen ikonisch geworden Trio-Sound.

Die zwölf Stücke auf Mare Nostrum IV, die Fresu, Galliano und Lundgren speziell füreinander geschrieben oder arrangiert haben, sind cineastische Miniaturen aus nordischer Melancholie und mediterraner Wärme. Und sie sind eine in der Musik Wirklichkeit gewordene Utopie von Schönheit und Gemeinschaft, die in unserer Zeit so wertvoll und bedeutsam scheint, wie vielleicht noch nie zuvor.

Der 1987 auf Menorca geborene vielseitige Pianist, Improvisator und Komponist MARCO MEZQUIDA ist die Verkörperung musikalischer Leidenschaft und gilt als eine der quirligsten Figuren in der spanischen Jazzszene. Begriffe wie „Wunderkind“, „Klavierzauberer“, „magnetisch“, werden nicht selten bemüht, um die beeindruckende Bandbreite seines Werkes zu beschreiben.

So verzauberte der mehrfach ausgezeichnete Pianist MARCO MEZQUIDA schon die großen Jazzfestivals der Welt und die wichtigen Konzertsäle wie die Kölner Philharmonie, die Palau de la Música Catalana in Barcelona oder die Elbphilharmonie in Hamburg, die Kulturarena Jena und viele mehr.

Er präsentiert sich und seine Musik auf der Bühne voller Musizierfreude, gespickt mit musikalischen Experimenten, wie das Einbeziehen des Klangs direkt angeschlagener Klaviersaiten, wenn er nicht gleich im Resonanzkörper seines Flügels verschwindet und dort mit einer unendlichen Anzahl technischer und ästhetischer Mittel wie Glocken, Tamburin oder Trommel den gezupften präparierten Saiten des Instruments auf einzigartige Weise unvertraute Klänge entlockt.

Als Multiplikator von musikalischen Präsenzen können seine gepriesenen Solokonzerte am Klavier als Ein-Mann-Orchester verstanden werden Mit seiner spektakulären Mischung aus Wohlklängen, Vitalität, Tangos, Flamencos und Buleras gelingt es Marco Mezquida jeden Moment so intensiv und frisch wie möglich zu gestalten. Die Folklore verleiht seiner Musik einen besonderen Farbtupfer, den Herzschlag eines jeden Stückes bestimmt jedoch der Modern Jazz mit seinen kunstvollen Spannungsbögen. Dabei verarbeitet er nur minimal traditionelle Einflüsse, sondern erfindet seine Musik selbst.

Der großartige Komponist und Top Flamenco-Musiker arbeitet mit außergewöhnlichen und einzigartigen Methoden bei der Instrumentierung seiner Stücke. Als Erforscher von Klängen und Schöpfer von Atmosphären präsentiert er in diversen Projekten und in Zusammenarbeit mit internationalen Flamenco und Jazz-Größen ein unvergleichbar vielseitiges Ausdrucksspektrum über alle gängigen Genregrenzen hinaus.

„Das Klavierspielen und die Verbindung mit dem Klavier ist für mich eine Notwendigkeit.“
Marco Mezquida

Mammal Hands stehen an der Spitze einer neuen Welle von Grenzen überschreitenden britischen Künstlern, die Jazz, zeitgenössische Klassik, Electronica, Folk und Minimalismus zu einem Sound verschmelzen, der unverkennbar ihr eigener ist. Mit fünf gefeierten Alben haben sie sich eine internationale Fangemeinde aufgebaut, die von ihrer Wärme, ihrer dynamischen Energie und ihrer tief verbindenden Musik angezogen wird.
Ihr neues Album Circadia – das erste mit ihrem langjährigen Freund und neuen Schlagzeuger Rob Turner (ehemals GoGo Penguin) – markiert eine mutige neue Richtung: beatlastig, rhythmisch lebendig und emotional resonant. Inspiriert von Zyklen und Transformationen, ist es eine Meditation über Erneuerung und die Schönheit des Wandels, in der Post-Rock-Energie und Folk-Sensibilität auf Turners von Electronica inspirierte Beats treffen.
Das Album erscheint im Frühjahr 2026 auf dem legendären Label ACT – Heimat des wegweisenden Esbjörn Svensson Trio – und schlägt ein neues Kapitel für die Band auf, das ihren Sound und ihre Vision erweitert. Von herausragenden Auftritten im Barbican bis hin zu Tourneen durch Asien haben sich Mammal Hands einen Ruf für fesselnde Live-Shows erworben. Meditativ und doch viszeral, verbinden ihre Auftritte treibende Beats und hypnotische Texturen – Musik, die für jeden zugänglich ist, spirituell erhebend und noch lange nach dem Verhallten der letzten Note nachhallend.

Mit Band und neuem Material kommt TINA DICOwieder nach Deutschland! Die dänische Singer-Songwriterin kehrt mit neuen Songs und einer neuen Tourzurück –und alles kann passieren, so lässt die Musikerin schon mal verlauten.Auf ihrer Herbsttour2026 präsentiert TINA DICO brandneue Songs aus dem kommenden Album, das im Herbst/Winter 2026 erscheinen soll. Dazu hat sie natürlich viele Lieblingsstücke aus ihrem Repertoire mit auf der Setlist. Spannend: Das Line-up der Tour wird noch nicht verraten –wer also alles mit dabei sein wird auf der Herbsttour 2026, das wird noch exklusiv enthüllt. Was aber jetzt schon sicher ist: TINA DICOmacht jedes Konzert zu einem überraschenden Abend, der sich wie eine persönliche Begegnung anfühlt.Das Touren in Deutschland ist für sie nämlich weit mehr als „part of the job“:„Mit dem Tourbus in den Süden zu fahren, das sind definitiv einige der besten Zeiten meines Lebens. Wir treffen jeden Abend wunderbare Menschen, entdecken neue Städte und dürfen Brücken bauen –mit neuer und alter Musik. In meinem Leben war es vielleicht noch nie so wichtig wie jetzt, diese Nähe zu pflegen und gemeinsam etwas zu finden, das größer ist als wir selbst. Etwas, worüber wir uns nicht streiten müssen. In der Musik ist Platz für das Ganze.“Seit mehr als zwei Jahrzehnten begeistert die in Island lebende Singer-Songwriterin ihr Publikum mit ihrer unverwechselbaren Stimme, ihrer poetischen Ehrlichkeit und ihrer tiefen Verbindung zu den Zuhörer:innen.TINADICOs Lieder kreisen um Nähe und Distanz, ums Loslassen und Wiederfinden-stets mit jener besonderen Mischung aus nordischer Klarheit und emotionaler Wärme, die sie zu einer der beliebtesten Künstlerinnen Dänemarks macht.DieTINA DICO & BAND Herbsttour 2026führtdurch ausgewählte Städte in Deutschland sowie nach Amsterdam, Słubiceund Wien –und verspricht Abende voller Leidenschaft, Tiefe und musikalischer Intensität mit einer Künstlerin, die ihr Publikum immer wieder aufs Neue berührt.

Shuteen Erdenebaatar RISING SUN

Born in the Mongolian capital Ulaanbaatar, composer and pianist Shuteen Erdenebaatar
creates a unique sound with her yearning melodies enriched with deep and expressive
harmonies and rhythms. Following her classical studies in Mongolia, her love for jazz
brought her to Germany, where she was able to cultivate her own voice. This voice is
unmistakably present, and her classical foundation is unmistakable throughout, which is
evident in her technical brilliance, stylistic finesse and the thematic structure of her
compositions.
After her debut album “Rising Sun“, which was released in September 2023 by the
renowned label Motéma Music from New York, she was quickly recognized and celebrated
as one of the most promising rising stars of the European jazz scene. This album with her
quartet has caused a sensation in the press and among audiences, prompting Shuteen
Erdenebaatar to perform internationally in countries such as Germany, Austria, the
Netherlands, Italy, Switzerland, France, the Czech Republic, China, Mongolia and Iceland.
Among them are invitations to the most significant and renowned festivals in Europe such
as the North Sea Jazz Festival, Jazzahead!, Jazz Baltica, Transition Festival, Reykjavik
Jazz Festival or Rockit Festival.
Her quartet is made up of award-winning young musicians and accomplished bandleaders
on their own right. Alongside the exceptional bassist Nils Kugelmann and alto
saxophonist and recorder prodigy Jakob Manz, the dynamic and creative drumming of
Amir Bresler rounds off the ensemble sound together with the very personal and
engaging pianism of Erdenebaatar.
The quartet was awarded the prestigious German Jazz Award 2024 in the “Ensemble of
the Year” category and in the same year received the biggest Mongolian cultural award
“Mungun Mod” in the “Album of the Year” category.
Between Mongolian soul and European sophistication, her music is inspired by encounters
and journeys, which gives each piece a personal touch and leads the audience through
the evening

Zohar & Adam

Eine der spannendsten Neuentdeckungen des Jazz
Zohar & Adam – Zwei Brüder, ein Sound, grenzenlose Musik
Zwei Brüder, eine Vision: Zohar & Adam Cabo bringen frischen Wind in die Jazzwelt. Mit
beeindruckender Virtuosität, kreativer Reife und einem tiefen musikalischen Verständnis
schaffen sie einen Sound, der weit über ihr Alter hinausreicht. Ihr Weg vom musikalischen
Elternhaus bis zur internationalen Bühne ist ebenso außergewöhnlich wie ihr Debütalbum
“Osmosis”– ein faszinierender Beweis für das Potenzial einer neuen Generation im Jazz.
Zohar & Adam Cabo zählen zu den spannendsten neuen Entdeckungen im Jazz. Mit Zohar an
den Keyboards und Adam am Schlagzeug bringt das junge Brüder-Duo eine beeindruckende
musikalische Reife auf die Bühne, die das Ergebnis eines von Musik geprägten Lebens ist.
Als Kinder des früheren Latin-Bigband-Leiters Richard Cabo und der israelischen Bassistin,
Produzentin und Pädagogin Dassi Rosenkrantz standen die Brüder – gemeinsam mit ihrer
Schwester Noga – schon vor ihrem zehnten Lebensjahr auf der Bühne und nahmen als
Familienband ein Album in den legendären Sun Studios in Memphis auf.
Während der Pandemie fanden sich die beiden als Schüler im gemeinsamen Lockdown
wieder – die Geburtsstunde eines neuen kreativen Weges. Auf ihrem Debütalbum “Osmosis”,
das im Frühjahr 2025 erschien, verschmelzen Zohar & Adam Elemente aus progressivem
Jazz, Latin, Hip-Hop und Weltmusik zu einem ganz eigenen Klangbild. Ihre intensive
musikalische Verbindung erinnert an Größen wie Chick Corea oder Weather Report.
Basslegende Christian McBride war einer der ersten, der das Potenzial der beiden erkannte.
Als Gründer von Jazz House Kids wurde er zu einem wichtigen Mentor – und ist gemeinsam
mit dem renommierten Saxofonisten Steve Wilson auch auf “Osmosis” zu hören. Weitere
Gäste des Albums sind Bassist Hadrien Feraud und Keyboarder Julian Pollack alias J3PO
(u. a. bei Herbie Hancock’s Headhunters).
Zohar & Adam: Ein Duo mit Wurzeln, Vision – und einer außergewöhnlichen musikalischen
Sprache.

“A Swinging Affair! The American Songbook And Beyond“
Tom Gaebel gilt seit jeher als Mann für die große Bühne. Er singt die großen Songs und er singt sie mit den großen Besetzungen, mit Big Band oder Orchester. So kennt und liebt man ihn seit er 2005 auf einen Schlag durch Stefan Raabs „TV TOTAL“ in die deutsche Musiklandschaft katapultiert wurde. Damals, als junger Crooner, tat er es seinem großen Vorbild nach und sang sich auf Frank Sinatras Spuren in die Herzen seines Publikums, das ihn seit nunmehr 16 Jahren, acht Alben und unzähligen Konzerten im In – und Ausland begleitet.
Sein Repertoire ist seither stetig gewachsen: Tom Gaebel hat sich neben Sinatra auch vielen anderen Klassikern gewidmet, hat James Bond besungen und gleich zwei Weihnachtsalben aufgenommen – und nicht zuletzt hat er seine ganz eigenen Lieder geschrieben. Songs, die seine musikalische Leidenschaft für die Vergangenheit widerspiegeln, für eine Zeit, als die Musik noch ebenso elegant war wie die Musiker,
die sie spielten: Die Ära des „Great American Songbook“!
Bezeichnet wird damit die Hochphase der amerikanischen Unterhaltungsmusik von den 30er bis in die 50er Jahre, als berühmte Songwriter wie z.B. George Gershwin, Cole Porter oder Johnny Mercer all die berühmten Klassiker schufen, mit denen Frank Sinatra und seine Vorgänger wie Bing Crosby zu Stars wurden. Lieder, die von Jazzgrößen wie Miles Davis und Charlie Parker adaptiert wurden, die von den größten Sängerinnen und Sängern von Ella Fitzgerald über Nat King Cole hin zu Tony Bennett immer wieder neu interpretiert wurden und werden. Und rund um diese Songs präsentiert Tom Gaebel jetzt sein ganz neues Projekt:
A Swinging Affair! The American Songbook And Beyond

Wenn Violinist Miki Kekenj nicht gerade am Konzertmeisterpult der Bergischen Symphoniker sitzt, widmet er sich als Komponist und Arrangeur seiner zweiten Leidenschaft: moderne Songs in eine klassische Tonsprache zu übersetzen. Seit über zehn Jahren erarbeitet er mit seinem Takeover! Ensemble außergewöhnliche Fusion-Projekte mit Größen aus der deutschen Rock-, Pop-, Soul- und Hip-Hop-Szene. Nach erfolgreichen Kooperationen mit Samy Deluxe, Stefanie Heinzmann und Max Herre trifft Kekenj wieder auf JORIS.
Seit er 2015 mit seiner Single „Herz über Kopf“ und dem Debütalbum „Hoffnungslos Hoffnungsvoll“ die Charts stürmte, überzeugt JORIS mit seiner ausdrucksstarken und gefühlvollen Stimme in Songs voller unverkrampfter Indie-Stimmung zwischen Rock und Pop. Sein aktuelles Album „Zu viel Retro“ verzichtet bewusst auf den Einsatz von KI-Tools und setzt ganz auf handgemachte Musik mit echten Instrumenten. Was liegt da näher, als nun eine Auswahl seiner Songs in speziell für Kammerensemble abgestimmten neuen Arrangements zu präsentieren – ein Takeover!-Projekt, das Pop und Klassik auf inspirierende Weise verbindet.[/vc_column_text]

SEHNSUCHT – LIVE 2026

Annett Louisan ist die Stimme des deutschsprachigen Chansons – sie hat dieses Genre maßgeblich
geprägt und ihm eine ganz eigene unverwechselbare Note gegeben. Seit ihrem Debüt im Jahr 2004 hat
die Ausnahmekünstlerin sich als eine der einflussreichsten und erfolgreichsten Größen in der
deutschen Musikszene etabliert. Bis heute hat sie weit mehr als 1,5 Millionen Tonträger verkauft,
zahlreiche Musikpreise gewonnen und unzählige Menschen mit ihren Auftritten verzaubert. Die
Tournee, mit der sie ab Herbst 2026 durch Deutschland, Österreich und die Schweiz reisen wird, heißt
„Sehnsucht“.
Nach ihrer sehr erfolgreichen „Bohème“-Tour, mit der Annett Louisan fast zwei Jahre live unterwegs war, wird
die Künstlerin für ihre neue Tour mit einem gänzlich neuen Bühnenprogramm auftreten. Fans der
charismatischen Künstlerin dürfen sich auf neue Songs, aber natürlich auch die altbekannten Hits, freuen.
„Wonach wir uns wirklich sehnen – das wissen wir manchmal selbst nicht,“ sinniert die in Hamburg lebende
Chanson- und Popsängerin.
„Sehnsucht ist nicht nur ein Gefühl, sondern eine ganze Palette von Gefühlen, Wünschen und Träumen, die
sich mit unseren Erinnerungen vermischen. Egal, wo ich bin – ob in Paris, New York oder Osnabrück – wenn
das Licht im Saal ausgeht und die Scheinwerfer auf der Bühne erstrahlen, dann bin ich an meinem ganz
persönlichen Sehnsuchtsort – und dorthin möchte ich die Menschen mitnehmen.“
Seit jeher meistert Louisan mühelos den Spagat zwischen Chanson und Pop. Sie versteht es meisterhaft,
pointierte Sprache, emotionale Tiefe und musikalische Eleganz höchst wirkungsvoll miteinander zu verbinden.
Vor allem live entfalten ihre verspielten und doch tiefgründigen Texte – getragen von leichten und fröhlichen
bis hin zu melancholisch und leidenschaftlichen Melodien – einen unwiderstehlichen Charme.
Dass Annett Louisan das Unkonventionelle liebt – und die Eigenartigkeit als etwas Kostbares begreift –, hat
sie mit ihrer Musik immer wieder unter Beweis gestellt. Ihre seit über zwei Jahrzehnte andauernde Karriere
zeugt nicht nur von großem Erfolg, sondern auch von künstlerischer Haltung. In ihren poetisch wie lyrisch
anspruchsvollen Songs vereint sie feinen Humor, eine subtile Sinnlichkeit und entwaffnende Ehrlichkeit.
Gerade live entsteht so eine ganz besondere Nähe zum Publikum: Annett Louisans Stimme ist so wandelbar,
wie unverkennbar – und zieht das Publikum mit einem Augenzwinkern und viel Gefühl in ihren Bann.