JOSCHO STEPHAN TRIO
Das Joscho Stephan Trio zählt zu den spannendsten Formationen der Akustik-Gitarren-
Szene. Geprägt von der meisterhaften Gitarrenkunst des Bandleaders Joscho Stephan,
entsteht durch die Zusammenarbeit mit Sven Jungbeck (Gitarre) und Volker Kamp
(Kontrabass) eine moderne Weiterentwicklung des klassischen Swing à la Django
Reinhardt.
Das Trio überzeugt nicht nur mit neu interpretierten Klassikern des Genres, sondern auch
mit eigenen Kompositionen, die Elemente aus Latin, Klassik, Pop und Rock integrieren.
Diese kreative Mischung begeistert ein breites Publikum und zeigt das Trio als
musikalische Visionäre.
Die Produktion „Paris – Berlin“ wurde als Direct-to-Disc-Schallplattenaufnahme in den
legendären Hansa Studios in Berlin aufgenommen. Neben diesem Album hat das Trio
mehrere Live-Alben veröffentlicht, die die Energie ihrer gemeinsamen Konzertauftritte
dokumentieren. Joschos erfolgreicher YouTube-Kanal mit fast 40 Millionen Aufrufen findet
seine musikalische Zusammenfassung im Best-of-Album „Playlist“, das ausschließlich
Aufnahmen von diesem Kanal enthält.
Das Trio spielte ausverkaufte Konzerte in Deutschland und trat auf renommierten Festivals
wie den Leverkusener Jazztagen und dem Rheingau Musik Festival auf. International ist
das Trio regelmäßig in Italien, Polen und Spanien unterwegs und plant eine ausgedehnte
Tournee, die sowohl die USA als auch Australien umfasst.
Joscho Stephan hat mit Künstlern wie Bireli Lagrène, Stochelo Rosenberg, Tommy
Emmanuel, John Petrucci, Daniel Hope, Peter Kraus sowie den Gitarristen Richard Smith
und Rory Hoffman im Transatlantic Guitar Trio zusammengearbeitet. Besonders
hervorzuheben ist, dass er als einziger europäischer Gitarrist beim renommierten „George
Benson Camp“ teilnahm, bei dem auch Al Di Meola, Steve Lukather und Tommy
Emmanuel vertreten waren. Joscho Stephan trat außerdem gemeinsam mit Frank Vignola
und John Jorgenson im legendären Birdland Jazzclub in New York auf, wo sie insgesamt
acht Auftritte spielten – ein weiterer Höhepunkt in seiner internationalen Karriere.

Die letzten Auftritte von Rafael hier im Club können getrost als Weltklasse bezeichnet werden. Wir hatten Tränen in den Augen vor Begeisterung, so bewegend waren diese Konzerterlebnisse. Nicht umsonst waren Autogrammstunden mit Rafael im Nu überlaufen und der Merchandise Stand leergekauft. Wir freuen uns sehr auf den einzigartigen Flamenco-Stil dieses Gitarristen, der sich selbst vor Don Paco nicht verstecken muss.

Rafael Cortés entdeckte früh seine Liebe zur Gitarre. Sein Großvater „Octavio Cortès Maya“ schenkte ihm das erste handgefertigte Instrument im Alter von drei Jahren und übernahm gleichzeitig die ersten Lehrstunden. Der erste professionelle Gitarrenlehrer beschloss, den Unterricht zu beenden, als sein Schüler 14 Jahre alt war. Die Begründung war einfach und überzeugend: Es gibt nichts mehr, was ich dir noch beibringen kann.

Im Laufe der Jahre perfektionierte Rafael Cortés seine Technik und seinen persönlichen Stil. Bei seiner musikalischen Entwicklung flossen immer wieder moderne klassische Elemente ein, genauso wie Elemente aus dem Genre Latin und Jazz. Auch wenn seine Interpretationen und eigenen Kompositionen von seinem ganz persönlichen Stil geprägt sind, die Tradition des Flamenco ist stets gegenwärtig. 1985 bestritt Rafael Cortés sein erstes Solokonzert in der Essener Zeche Carl, 1990 saß er zum ersten Mal in einem Plattenstudio und 1995 komponierte er Titel für den Kinofilm Der Strand von Trouville.

1999 veröffentlichte Rafael Cortés sein erstes eigenes Album: „Eclipse de Luna“, 2001 erscheint das 2. Album „Gitanos del Agua“, diese Aufnahme wird ergänzt durch bekannte Stars wie Javier Baron, El Cigala, Domingo Patricio, Angela Bautista, im legenderen Aufnahmestudio Musitron in Madrid. 2004 wurde das dritte Album des Künstlers produziert „Campo Libre“ hier entsteht die Flamenco Pop Ballade mit Spaniens Megastar ROSA, wodurch zahlreiche Fernsehauftritte im spanischen Fernsehen folgten.

2006 erscheint eine Live CD mit den schönsten Momente aus den Konzerten 2005. Im gleichen Jahr teilt er zum 2. mal mit dem “Gitarrengott“ Paco de Lucia bei den Jazztagen in Leverkusen die Bühne, auch hier besteht eine besondere Freundschaft zwischen zwei Musikern unterschiedlicher Generationen. 2007 erschien die aktuelle Produktion „Alcaiceria“.

So hat Rafael Cortes sich nicht nur ein begeistertes und treues Publikum erspielt, er hat intensive und produktive Freundschaften mit den Stars der Flamenco-Szene aufgebaut… so hat er mit vielen internationalen Flamenco Stars im Studio und auf der Bühne zusammengearbeitet dazu zählen z.B Carmen Ledesma, Concha Vargas, Tomas de Madrid, Javier Baron, Maria Serrano, Domingo Patricio, Carles Benavent, Tommy Emmanuel…

Bei seinen heutigen Live Shows wird Rafael Cortés von wechselnden Musikern begleitet. Bei seinen ausverkauften Shows in Deutschland, Schweiz, Österreich, Polen, Tschechien, Ungarn, Holland und Spanien wird er enthusiastisch von Fans und Presse gefeiert. Standing Ovations des Publikums sind bei Rafael Cortés keine Seltenheit.

Die Zeiten, in denen europäische Künstler einfach nordamerikanische Produktionen imitiert haben, sind längst vorbei. Ob man es nun bedauert oder nicht, der Blues ist global geworden und wird von Musikern verteidigt, die ihm ihre individuelle Seele geben. Der Sänger und Gitarrist Kai Strauss gehört zu diesem kleinen Kreis.
„Schon als Teenager war ich von der Magie eines Buddy Guy, Albert King oder der Vaughan Brothers infiziert.“, sagt der musikalisch in Deutschlands Blueshochburg Osnabrück aufgewachsene Musiker, der mittlerweile zusammen mit seiner international besetzten Band als einer der großen Namen der europäischen Szene gilt.
Von seinem professionellen Start, als er sich 1995 mit dem in Texas, USA, geborenen Sänger Memo Gonzalez zusammentat, bis hin zu seiner erfolgreichen Karriere als Solokünstler hat sich Kai Strauss als Gitarrist und Sänger mit Kraft und Originalität erwiesen. Mehrere German Blues Awards sowie Auftritte auf renommierten Festivals von Europa bis in die Karibik bestätigen, dass Strauss in der internationalen „Blues Champions League“ angekommen ist.

Mit „Night Shift“ hat Kai Strauss jetzt sein siebtes Album veröffentlicht, und wieder mal gelingt es ihm, die Blueswurzeln mit Elementen seiner eigenen Art von Funk und Soul zu einem aufregenden zeitgenössischen Sound zu verweben. Als Songwriter hat er sich spürbar weiterentwickelt. Seine Lieder haben an Dringlichkeit und Aktualität gewonnen und greifen auch mitunter ernstere Themen auf. Obwohl Strauss eindeutig die Grammatik der alten Bluesmeister gelernt hat, ist seine Gitarrenarbeit keineswegs ein „Malen-nach-Zahlen-Blues“. Mit ganz eigener Stimme vorgetragen, platziert Kai seine Gitarrenlicks energiegeladen und ausgefeilt wie ein südamerikanischer Elfmeterschütze. Und wenn sogar US-Bluesmogul Bruce Iglauer (Alligator Records) Strauss als Musiker „who has it all“ lobt, weiß man, dass sich acht Tonträger, TV-Auftritte und unzählige Shows in über 20 Ländern ausgezahlt haben.
Der Blues war schon immer ein schwer zu eroberndes Feld, aber Kai Strauss ist auf dem besten Weg, genau das zu tun.

„Kai Strauss is a sophisticated bluesman who has it all—he can deliver a lyric vocally, create an interesting blues song, and plays very “grown up” guitar. He is one of those guitar players who understands what the important notes are, and chooses to tell an emotional story with his solos, rather than just filling up the songs with lots of unnecessary notes.“
Bruce Iglauer, Alligator Records (Chicago/IL), 2022

„Authentisch, hochklassig und geradlinig.“ Bluesnews, 2019

„The times when European artists simply imitated North American productions are long gone. Whether one regrets it or not, the blues has gone global and is defended by musicians who keep the memory of the blues alive and – for the best of them – give it the extra soul that makes it special. German singer-guitarist Kai Strauss is among this elite.“
Soul Bag (F), 2022

„Kai Strauss hat den deutschen Blues in ein besseres Licht gerückt.“ Andreas Arlt (BB & The Blues Shacks), 2020

„Geschmackvoller, moderner soulig-funkiger Blues mit eigenem Stil weit abseits traditioneller 12-Takter… Das neue Album strahlt die Gelassenheit eines Musikers aus, der seinen Stil gefunden hat und niemandem mehr etwas beweisen muss.“ guitar Magazin (D), 2023

Jazz Sabbath ist ein Jazztrio aus Großbritannien, das neue Jazz-Arrangements von Black Sabbath-Songs spielt. Obwohl die Band sich präsentiert als 1968 gegründetes Jazztrio und damit die ursprünglichen Autoren der Tracks, die später durch Black Sabbath berühmt wurden.

Angeführt vom Pianisten Adam Wakeman (Tour-Keyboarder von Black Sabbath und Ozzy Osbourne seit 2004) überschreitet Jazz Sabbath die Grenzen zwischen Jazz und den Songs, die Heavy Metal definiert haben. Sie greifen bereits vorhandene Jazz-Riffs auf und entdecken neue.

Ob man ihrer wilden Hintergrundgeschichte Glauben schenken mag oder nicht, mit schon drei Alben in den Billboard Jazz Charts, ausverkauften Shows weltweit und großartigen Kritiken sowohl in der Jazz- als auch in der Rock-Medien, bahnen sich Jazz Sabbath schnell ihren Weg (zurück) an die Spitze der Jazzszene.

‚I’m really loving this‘ – Ozzy Osbourne
‚Amazing interpretations‘ – Tony Iommi
‚Surprisingly superb‘ – Jazz Journal
‚A roaring success‘ – Jazzwise Magazine
‚Never has heavy metal been so groovy‘ – MetalTalk

Nach ihrer großen internationalen „25 Jahre Jubiläums Tour“ mit über 50 Konzerten und über 25 Millionen Mal auf Spotify angehört, veröffentlicht die Band triosence bei SONY Music Masterworks im September 2025 ihr 10. Album: „Stories Of Life“.

Die neuen Songs des Pianisten und Bandleaders Bernhard Schüler verwandeln persönliche Lebensgeschichten in berührende Musik. Dabei weiß er auf einzigartige Weise Eingängigkeit, musikalische Tiefe und Raffinesse zu verweben. Sein neues Album beschäftigt sich mit dem Spannungsfeld von Tief- und Höhepunkten des Lebens und sucht nach einer musikalischen Verbindung dieser Pole. Titel wie „Little Lost Wonder“ und „Dear Rainer“ handeln von Schicksalsschlägen und Verlust. „Marakesh Swing“ und „Tomato Party“ hingegen bewegen sich in ausgelassenen, heiteren und lustigen Momenten. Frei von Berührungsängsten vereint die Band in ihrer Musik Genres wie Jazz, Pop, Folk, Latin und World Music zu unverwechselbaren Klanggemälden. Die Melodien und der Song stehen bei all dem stets im Zentrum der Auseinandersetzung. Die Band bezeichnet ihren Musikstil daher auch als „songjazz“. Ihre Konzerte sind ein Feuerwerk aus mitreißender, hochvirtuoser Spielfreude, stilistisch bunt und abwechslungsreich. Damit bieten sie ein breites musikalisches Spektrum das von besinnlich, nachdenklich und intimen Farben bis hin zu kraftvoll, groovig und rockigen Tönen. Außerdem begeistern sie ihr Publikum mit humorvollen Geschichten Anekdoten des Bandleaders zu den Songs. Das triosence auch Nicht-Jazzhörer begeistern kann, beweisen unter anderen auch millionenfache Streams auf den Online-Musikplattformen.

Mit ihrem unverwechselbaren Stil überzeugt und begeistert das Trio, mit Bernhard Schüler am Piano, Omar Rodriguez Calvo am Bass, Tobias Schulte an den Drums, hierzulande und auch sonst überall auf der Welt sowohl das Publikum, als auch die Presse. „Herrlich eingängige Musik! Man muss kein Experte sein, um die Schönheit der Melodien von triosence zu erkennen.“ „Ein unter die Haut gehendes Highlight!“ und „Exempel für musikalische Dreieinigkeit“ sind nur einige der Pressestimmen, die das Trio auf internationaler Ebene feiern.

Die Musik von triosence zeichnet sich neben der Gleichberechtigung der Instrumente vor allem durch die Stärke ihrer Melodien aus. Eine Eingängigkeit, die niemals banal oder gar einfältig daherkommt, sondern durch ihre klare Struktur und Schönheit in die Tiefe der Musik abtauchen lässt und dem Hörer viel Raum für Emotionen, Gedanken, gar Träume schenkt.