RICHARD BONA QUINTET

Richard Bona ist ein Grammy-gekrönter Musiker und zählt zu den versiertesten internationalen Bassisten, Komponisten und Multi-Instrumentalisten. Mit seinem einzigartigen Sound und seiner stimmlichen Begabung steht er stets für seine afrikanischen Wurzeln ein. Bonas Musik thematisiert die Traditionen, die Kultur, die Schönheit und die Probleme des Kontinents. Sein Anspruch und die Art und Weise, wie er mit seinem Publikum in Kontakt tritt, haben ihn zu einem festen Begriff in der Weltmusik, im Jazz und im Afropop gemacht.

Derzeit produziert und nimmt er für lateinamerikanische und brasilianische Künstler aus den Bereichen Pop, brasilianisches Songbook, Flamenco und karibische Musik auf.

Richard Bona hat mit den Größten getourt, komponiert, aufgenommen und musikalische Kunstformen geschaffen: Herbie Hancock, Harry Belafonte, Steps Ahead, Quincy Jones, Chick Corea, Buena Vista Social Club, Cesária Évora, Sting, Mike Stern, Pat Metheny, Stevie Wonder, Bobby McFerrin, Chucho Valdés, George Benson, Oumou Sangaré und viele mehr. Neben diesen vielfältigen, bemerkenswerten Kooperationen hat Richard auch Jazzimprovisation an der NYU unterrichtet und ist weltweit ständig als Lehrer und Mentor für junge Talente tätig. Er ist zudem TED-Sprecher und Botschafter für verschiedene gemeinnützige Projekte.

Er engagiert sich stark für die Entwicklung besserer Praktiken und ethischer Standards in der Musikbranche. Seine Signature-Serie in Zusammenarbeit mit dem italienischen Unternehmen MARKBASS hat ihn als einen der kreativsten und umsatzstärksten Hersteller von maßgeschneiderten Bassverstärkern und Bassgitarren weltweit positioniert.

Richard ist ständig auf Tournee rund um die Welt und erkundet neue musikalische Wege. Dabei definiert er seinen Sound immer wieder neu, während er weiterhin live auftritt. Derzeit arbeitet er an neuen Projekten in den Bereichen Afrobeats, Afropop, Latin und Flamenco in ganz Europa, den USA und Lateinamerika.

FATOUMATA DIAWARA

Fatoumata Diawara ist pure Energie. Ihre kraftvolle Stimme erzählt die Geschichte Afrikas – von seinem Leid und seinen wiederentdeckten Freuden –, gesungen in ihrer Muttersprache Bambara. Sie ist eine fesselnde Künstlerin, die Emotionen wecken kann, ihr Publikum zum Lachen, Weinen und vor allem zum Tanzen bringt.
Vor allem aber ist sie eine freie Frau, die die Kunst als Weg nutzt. Durch ihren Gesang spricht sie wichtige Themen wie weibliche Genitalverstümmelung und Zwangsheirat an – persönliche Schicksalsschläge, die sie in eine universelle Botschaft der Hoffnung und der Widerstandskraft verwandelt. Nachdem sie im Alter von 19 Jahren aus Mali geflohen war, um ihre eigene Geschichte zu schreiben, setzt Fatoumata Diawara mit 43 Jahren fort, die Missstände der Gesellschaft zu hinterfragen und gleichzeitig ihr Doppelleben als Künstlerin und Mutter zu feiern.
Eine bedeutende Persönlichkeit der afrikanischen Musikszene, deren Bühnenpräsenz stets ein Moment sprudelnder Intensität ist!

Den Beginn ihrer Karriere markiert ein tragisches Ereignis. 2003 war Melody Gardot in Philadelphia mit dem Fahrrad unterwegs, als ihr der Halter eines SUV die Vorfahrt nahm und nach dem Zusammenstoß Fahrerflucht beging. Mit schweren Kopf- und Wirbelsäulenverletzungen und einen mehrfachen Beckenbruch wurde die Sängerin ins Krankenhaus eingewiesen. Während ihrer Rehabilitation spielte Musik eine zentrale Rolle in ihrem Genesungsprozess. Sie begann sich für Jazzgesang als Teil einer Musiktherapie zu interessieren, lernte Gitarre und schrieb Songs. „Mit dem Aufnehmen begann ich, weil ich mich auf diese Weise daran erinnern konnte, was ich gemacht hatte. Ich hatte wirklich arge Probleme mit meinem Kurzzeitgedächtnis. Ich konnte mich abends schon nicht mehr daran erinnern, wie der Tag angefangen hatte.“, erzählte Gardot einmal in einem Interview. Zwei Jahre nach dem Unfall trat sie wieder öffentlich auf, auch wenn sie aufgrund der Unfallfolgen eine Geräusch- und Lichtempfindlichkeit entwickelte, die sie bis heute zwingt, eine abgedunkelte Brille zu tragen. Mittlerweile hat die Singer-Songwriterin mehrere, teilweise Grammy-nominierte Alben veröffentlicht, die in ihrer Unterschiedlichkeit – von Jazz und Blues über französischen Chanson und Pop bis zu lateinamerikanischer Musik – die stilistische Bandbreite der Künstlerin widerspiegeln.

ST PAUL & THE BROKEN BONES

Am Anfang war es nur ein Versuch. Vielleicht sogar ein Abschied. Paul Janeway und Jesse Phillips wollten ein letztes Mal gemeinsam Musik machen – „ein letztes Hurra“, wie Janeway es später nennt. Stattdessen gründeten sie im Jahr 2012 in Birmingham, Alabama, eine Band, die den klassischen Soul der späten 60er zurück auf die Bühne brachte, als hätte er sie nie verlassen: St. Paul & The Broken Bones. Aus einem beinahe beiläufigen Projekt wurde ein musikalisches Kraftzentrum – mit acht Musikern, einem charismatischen Sänger und einem Sound, der die Kirchenbänke des amerikanischen Südens ebenso in sich trägt wie die Euphorie eines Festivalpublikums.
Seither haben St. Paul & The Broken Bones die großen Bühnen der Welt erobert. Sie standen neben den Rolling Stones, spielten bei Glastonbury, Lollapalooza und Coachella, waren zu Gast bei Elton Johns Oscar-Gala und brachten doch nie die Bodenhaftung ihrer Herkunft aus Alabama aus dem Takt. Der Mittelpunkt dieses musikalischen Kosmos ist Paul Janeway: ein Mann mit einer Stimme, die zwischen Falsett und Predigt changiert, zwischen Schmerz und Erlösung. Der Soul ist für ihn kein Genre, sondern eine Haltung.

Mit ihrem neuen, selbstbetitelten sechsten Album kehrt die Band zurück zu dem, was sie groß gemacht hat: handgemachte, emotionale Musik mit Tiefgang. Produziert wurde das Werk von Eg White, bekannt durch seine Arbeit mit Adele oder Céline Dion, aufgenommen in den legendären FAME Studios in Muscle Shoals. Einem Ort, an dem schon Aretha Franklin ihre Stimme in Stein meißelte. Doch das Album ist kein Nostalgieprojekt. Songs wie „Sushi and Coca-Cola“ oder „Going Back“ zeigen eine Band, die gereift ist – und doch immer noch bereit, Risiken einzugehen. Zwischen psychedelischen Grooves, cineastischer Opulenz und balladeskem Gospel-Momenten loten sie ihre eigene Geschichte aus. Denn Geschichte haben sie inzwischen genug. Fünf Studioalben, zwei EPs, Tourneen um die halbe Welt, ein Soundtrack-Auftritt in Grey’s Anatomy, ein Emmy-nominierter Fernsehauftritt und nicht zuletzt: ein wachsendes Publikum, das auf ihre Musik nicht einfach tanzt, sondern mit ihr fühlt. Jetzt kehren St. Paul & The Broken Bones nach Deutschland zurück. Im Februar 2026 kommen die acht Musiker nach Berlin und Hamburg – zwei Abende voller Soul, Energie und der Erinnerung daran, dass aus kleinen Entscheidungen manchmal große Dinge entstehen.

NILS LANDGREN FUNK UNIT

Nils Landgren feiert mit seiner Funk Unit 30-jähriges Bestehen
Das Jubiläums-Album “Raw” erscheint am 28. Juni 2024
Das Jahr 1994 war das Gründungsjahr der Nils Landgren Funk Unit. Als ich von Siggi
Loch das Angebot bekam, Teil seines neuen Labels ACT werden, änderte er als erstes
den ursprünglichen Bandnamen „Unit“ zu „Funk Unit“. Als ich fragte, warum,
antwortete er knapp: „Weil ihr Funk spielt“ – und damit hatte er recht. Der Rest ist
Geschichte. Nach 30 Jahren, elf Alben, zahllosen Tourneen und allem, was damit
zusammenhängt, dachte ich mir, dass es toll wäre, die Aufnahmen zu unserem
Jubiläums-Album „Raw“ (VÖ: 28.06.24) an einem besonderen Ort zu machen. Wie es
der Zufall will, hat mein guter Freund Johan Lundgren, der vor vielen Jahren mein
Posaunenschüler war, zusammen mit einem anderen Freund, Fredrik Thomander, ein
fantastisches Aufnahmestudio in Palma de Mallorca gebaut. Ich hielt es für eine
großartige Gelegenheit, unser neues Album in einer entspannten Umgebung
aufzunehmen, in der wir uns voll auf unsere Aufgabe konzentrieren können und damit
die 30-jährige Geschichte als schwedische Funk-Band zu feiern.
Ich stellte die Idee meinen Bandkollegen und alle waren begeistert. Genauso wie
Andreas Brandis, der heutige Chef des ACT-Labels, auf dem seit 1994 alle meine Alben
erschienen sind. Jetzt musste ich nur noch die Flüge und das Studio buchen, eine
Unterkunft für uns alle organisieren und einen Weg finden, den Aufenthalt zu
finanzieren. Und dann war da noch eine Kleinigkeit: Wir alle mussten Musik für das
Album schreiben. Bis zu den ersten Proben kurz vor der Abreise nach Mallorca wusste
noch niemand, wer welche Songs geschrieben hatte. Ich selbst hatte in meiner
Freizeit hart gearbeitet und fünf Stücke dabei. Wir hörten uns gemeinsam die Demos
an und bearbeiteten sie dann gemeinsam, bis sie nach uns allen klangen. Jeder von
uns leistete seinen Beitrag und es war wirklich wunderbar zu hören, wie unsere
Kompositionen zum Leben erwachten.
Als wir an meinem Geburtstag, dem 15. Februar, um 14 Uhr in Palma landeten, gingen
wir direkt ins Studio, um den Sound einzurichten. Wir konnten es einfach nicht
erwarten. Ein Großteil des Aufbaus war bereits von der Studio-Crew und einigen
engagierten Freiwilligen erledigt worden und schneller als es irgendjemand für
möglich gehalten hatte, konnten wir mit den Aufnahmen beginnen, wobei der
fantastische Tontechniker Shades den gesamten Ablauf leitete.
Karsten Jahnke Konzertdirektion GmbH | kj.de
Telefon: (0 40) 41 47 88-0 | Fax: (0 40) 41 47 88-11 | presse@kj.de
Von diesem Moment an wussten wir, dass dies ein besonderes Album
werden würde. Alles passte wie die Faust aufs Auge. Die Stimmung im
Studio, der Sound, die Art und Weise, wie die Jungs in der Band
spielten, der Kaffee auf dem Dach in den Pausen, die wunderbaren gemeinsamen
Abendessen. Um die Aufnahmen zu finanzieren, hatten wir beschlossen, an den
letzten beiden Abenden nach den Aufnahmen Hauskonzerte zu geben. Obwohl dies
für alle Beteiligten noch längere Tage bedeutete, war es ein wunderbares Gefühl, die
neuen Stücke vor einem Live-Publikum zu testen, das uns fast auf dem Schoß saß.
Es war so befriedigend, von den Leuten, die zu diesen Shows kamen, ein direktes
Feedback zu bekommen. Und ein Filmteam unter der Leitung unseres lieben
Freundes Dan Sermand dokumentierte die ganze Sache.
Wir alle verließen die Insel am 20. Februar mit einem Gefühl tiefer Zufriedenheit, weil
wir wussten, dass wir unser Bestes gegeben hatten und dass unser Bestes vielleicht
mehr als nur gut genug war. Nur ein Mann blieb in Palma zurück: Magnum Coltrane
Price. Abgesehen davon, dass er ein grandioser Bassist und Sänger ist, ist er auch die
einzige Person an meiner Seite, die die ganze Funk Unit Reise von Live in Stockholm
bis heute miterlebt hat. Wir hatten beschlossen, das neue Album im selben Studio zu
mischen, in dem wir es aufgenommen hatten, doch Shades war erst eine Woche
später wieder verfügbar. Ich glaube, Magnum genoss die freie Zeit auf Mallorca und
die anschließende Arbeit mit dem Meister. Das Ergebnis ist dieses Album: „Raw“. Es
steht unsere ehrliche und authentische Art, handgemachte Musik zu spielen, die
Körper und Seele berührt. Und ich denke, sie macht klar: Wir sind nicht einfach nur
irgendeine Band. Wir sind die Nils Landgren Funk Unit

YOUNG GUN SILVER FOX

Mit ihrem Debütalbum „West End Coast“
zelebrierten Young Gun Silver Fox 2015 wie kaum
eine andere zeitgenössische Band den AOR-Sound
der Radio-Ära des vergangenen Jahrtausends.
Softrock wird das Genre gerne genannt, auch wer
es als Yachtrock betitelt, liegt nicht komplett
daneben. Mittlerweile sind Andy „Young Gun“
Platts und Shawn „Silver Fox“ Lee bei Album #5
angelangt: „Pleasure“ wird am 23. Mai 2025 im
mojo club erstmals in Deutschland live vorgestellt.
Mit der Show im mojo club und der
Veröffentlichung von „Pleasure“ feiern Young Gun
Silver das zehnjährige Jubiläum ihres Live-Debüts,
das einst ebenso in Hamburg stattfand. Bei der
Show im Knust bestand die Setlist aus den Tracks von „West End Coast“, die Band war
gerade frisch aus der Taufe gehoben worden. Heute können Platts & Lee aus dem profunden
Katalog der weiteren Alben „AM Waves“, „Canyons“ und „Ticket To Shangri-La“ schöpfen.
„Die Londoner Band Young Gun Silver Fox beschwört den Yacht Rock von großen Vorbildern
wie Steely Dan. Und zwar grandios. Mehr Flucht aus der Welt geht kaum“ schrieb Andrian
Kreye in einem bemerkenswerten Feature in der Süddeutschen Zeitung zur Pariser Show im
New Morning vor zwei Jahren, an die Young Gun Silver Fox noch eine spontane
Mitternachts-Show anschließen mussten, weil der Andrang einfach zu groß war. In den
Niederlanden stehen YGSF mittlerweile als Headliner auf den Festivalbühnen, die letzte USA-
Tournee war nahezu ausverkauft. Schauen wir, was mit „Pleasure“ passiert: Am 02. Mai
2025 erscheint das Album als LP, CD und in den bekannten digitalen Formaten auf Légère
Recordings. „I honestly think this album could be our best one yet!“ freute sich Shawn Lee in
seinen sozialen Medien am Abend nach der Masterabgabe. Es gibt ernstzunehmende
Gerüchte in Yachtrock-Zirkeln, dass er recht behalten könnte.

Chris Minh Doky hat den Kontrabass neu definiert und ihn in eine kraftvolle, ausdrucksstarke und melodische Stimme mit unverwechselbarem persönlichem Klang verwandelt. In Dänemark geboren und von der New Yorker Jazzszene geprägt, verbindet er nordische Klarheit mit amerikanischer Soul-Tradition – eine seltene Balance aus Groove, Lyrik und emotionaler Tiefe.

Als international gefeierter Bassist, Komponist und Bandleader ist Chris Minh Doky ein mit Platin und Gold ausgezeichneter Künstler, Grammy-nominiert und zum Ritter geschlagen. Seit vielen Jahren ist er der bevorzugte Bassist von Legenden wie Michael Brecker, Randy Brecker, Bill Evans, Mike Stern, David Sanborn, Ryuichi Sakamoto, Trilok Gurtu, Vince Mendoza, Michel Camilo, David Sylvian, Kirk Whalum und Biréli Lagrène. Zudem war er prägender Bestandteil ikonischer Rhythmusgruppen an der Seite von Dave Weckl, Jeff „Tain“ Watts und Dennis Chambers.

Chris Minh Doky gehört zu den wenigen europäischen Musikern, die sich dauerhaft in den führenden internationalen Bands der New Yorker Jazzszene etabliert haben – eine prägende Erfahrung, die ihn zu dem Bass-Solokünstler formte, der er heute ist.

Für seine Sommer- und Herbsttour kehrt Chris Minh Doky mit The Nomads zurück, einer hochkarätigen Band mit einigen der markantesten Stimmen der internationalen Gegenwartsszene:

Till Brönner (Trompete) – Deutschlands erfolgreichster Jazzkünstler und internationale Trompeten-Ikone, bekannt für seine cineastische Lyrik, seinen edlen Ton und seine genreübergreifende Kunst.

Manu Katché (Schlagzeug) – Ein Meister von Groove, Klangfarben und Raum – berühmt für seine legendäre Arbeit mit Peter Gabriel, Sting, Jan Garbarek und auf zahlreichen wegweisenden Aufnahmen.

Simon Oslender (Keyboards) – Ein visionärer Pianist und einer der Shootingstars der europäischen Jazzszene. Er spielt mit einem reifen Gespür für Zeit, Raum und Ruhe, das weit über sein Alter hinausgeht. Seine Eigenkompositionen verbinden starke, soulige Melodien mit reicher Harmonik und bleiben dabei stets in seiner ersten Liebe verwurzelt – dem Groove.

Im Zentrum steht Chris Minh Dokys charakteristischer Klang auf dem Yamaha Silent Bass – kraftvoll und intim zugleich, rhythmisch geerdet und reich an Melodik. Gemeinsam schaffen The Nomads eine dynamische musikalische Reise, in der Groove, Atmosphäre und Virtuosität ganz selbstverständlich und mühelos miteinander verschmelzen.

Dieses Ensemble bietet durchweg ein fesselndes Live-Erlebnis – cineastisch, soulful und unverkennbar zeitgenössisch. Eine Musik, die gleichermaßen Herz und Körper anspricht, Tradition und Aufbruch vereint.

Kraftvoll und lyrisch. Mutig und zugleich feinfühlig.

Das ist bassgeführte Musik auf höchstem Niveau.

Zum ersten Mal seit 16 Jahren kehrt der vielfach ausgezeichnete und hochgelobte britische Schlagzeuger und Keyboarder Gary Husband fest auf den Schlagzeugstuhl zurück – als Bandleader eines brandneuen, elektrisierenden eigenen Projekts.

Die Band präsentiert neue und ältere Kompositionen aus Garys Feder, zusätzliche Stücke der Bandmitglieder sowie eigens arrangierte Coverversionen, die an seine früheren Zusammenarbeiten mit Künstlern wie Allan Holdsworth, Chick Corea, John McLaughlin, Billy Cobham, Jeff Beck, The Trackers und vielen anderen erinnern.

Gary Husband gehört zu einer seltenen Musiker-Gattung: Sein künstlerischer Ausdruck teilt sich gleichermaßen auf seine internationale Reputation als Schlagzeuger wie auch als Pianist und Keyboarder auf. Seine klassischen Wurzeln, seine intensive Auseinandersetzung mit Improvisation, Jazz und Jazz-Fusion – ebenso wie seine langjährige Tätigkeit in den Bereichen Pop, Rock, Funk und Blues – prägen seine unverwechselbare und weitreichende musikalische Persönlichkeit.

Seine Soloalben und DVD-Veröffentlichungen haben zudem seinen Ruf als von der Kritik gefeierter Komponist und Arrangeur in der zeitgenössischen Musikszene gefestigt.

Seit nahezu vier Jahrzehnten arbeitet Gary mit einer beeindruckenden und stilistisch breit gefächerten Liste renommierter Musiker zusammen, darunter:

John McLaughlin, Allan Holdsworth, Jeff Beck, Jack Bruce (Cream), Gary Moore (Thin Lizzy), Jack DeJohnette, die britische Pop-/Funk-Band Level 42, Billy Cobham, Al Jarreau, Mike Stern (Miles Davis), John Wetton (King Crimson), Chris Squire (Yes), die Bill Evans Vansband All Stars, Andy Summers (The Police), Steve Hackett (Genesis), Robin Trower (Procol Harum)

sowie mit legendären Produzenten wie Sir George Martin (The Beatles), Trevor Horn (Grace Jones & Art of Noise), Sir Quincy Jones (Michael Jackson), Jerry Hey und James Guthrie (Pink Floyd).

Das verspielt benannte Jonathan Scales Fourchestra lässt sich – auch wenn man es schon oft gehört hat – nur schwer in Worte fassen.

Zwischen direkt ins Gesicht springender, atemberaubender Virtuosität und Leidenschaft einerseits und jenen stillen Momenten andererseits, in denen jedes Hintergrundgeräusch verstummt und man den Atem anhält, um eine Klanglandschaft voller Einsamkeit aufzunehmen, bewegt sich dieses außergewöhnliche Trio mühelos durch verschiedenste Ausdrucksformen.

Die Besetzung mit E-Bass (E’Lon JD), Schlagzeug (Maison Guidry) und Steel Pans (Jonathan Scales) verbindet Elemente aus Jazz, Klassik und Progressive Rock, durchzogen von Latin-Rhythmen und souligen Funk-Ausbrüchen. Von Club- und Festivalbühnen in Nordamerika und Europa über Tourneen in Afrika sowie Südost- und Zentralasien als Kulturbotschafter des US-Außenministeriums bis hin zu ihrem NPR-Tiny-Desk-Konzert mit Béla Fleck – die Live-Shows der Fourchestra lassen selbst abgeklärte Zuhörer für einen kostbaren Moment vergessen, wo sie sich befinden.

Es mag ungewöhnlich klingen, doch kurz vor der Veröffentlichung ihres achten Studioalbums beginnt die Jonathan Scales Fourchestra erst jetzt, ihre Identität als feste Band wirklich zu umarmen. Über viele Jahre hinweg war Jonathans Live-Band eine wechselnde Formation erstklassiger Musiker, darunter auch eine „All-Star“-Besetzung mit MonoNeon (Prince, Nas) am Bass, Sput Searight (Snarky Puppy, Snoop Dogg) am Schlagzeug und Percussionist Weedie Braimah (Trombone Shorty, Christian Scott aTunde Adjuah) sowie zahlreichen weiteren namhaften Künstlern.

Heute jedoch ist die Fourchestra eine klar definierte, untrennbare Einheit – und Jonathan komponiert nicht mehr nur für die Steel Pans, sondern für das Trio als Ganzes.